A képzelt vagy valós zsarnok apáról szóló angol nyelvű szerzemény több mint egy egyszerű dal – szimbolikus üzenet arról, hogy a magyar zenészek eurovíziós szereplési lehetőségeit évek óta blokkolják – üzeni a népszerű Carson Coma zenekar, akik ugyan vigaszágon sem jutottak be a San Marinó-i Eurovízió-válogató döntőjébe, örömmel osztják meg a magyar közönséggel új dalukat.
A San Marinó-i jelentkezéssel az volt a célunk, hogy nemzetközileg is felhívjuk a figyelmet arra, hogy Magyarország – apánk kérésére – évek óta nem indul az Eurovízión
– nyilatkozta Fekete Giorgio, a Carson Coma zenekar énekese.
A San Marinóhoz kötődő különleges együttműködés révén a Carson Coma sikeresen eljutott a nemzetközi színpadra, ahol képviselhette azt a tehetséget, amit Magyarország hivatalosan már hat éve nem mutat meg a széles európai közönségnek.
Mi már azzal nagyon boldogok vagyunk, hogy kimehettünk San Marinóba mindezt elénekelni, és most örömmel osztjuk meg a dalt a hazai közönséggel is
– tette hozzá az énekes.
Második szólódalával jelentkezett a Még Egy Cukorka zenekar egykori dalszerző frontembere, Hárs Barna. Az előadó mostani száma év végére tervezett szólólemezének előfutára. A Felnőttnek lenni című dal az elidegenedést, a felnőttléttel való szembenézést járja körül, hogy miként képzeli el az előadó fiatalon a későbbi életét, és milyen ahhoz képest a valóság, ami korántsem váltja be a hozzá fűzött reményeket.
„Nem gondolom, hogy a felnőttség feltétlenül szörnyű lenne. A dalszöveget nem kinyilatkoztatásnak, hanem egy érzelmi mélypontom megörökítésének szántam. Amikor ezt a dalt írtam, úgy éreztem, hogy az egész világ egy hatalmas csalódás. A rendszer, a barátoknak hitt emberek, minden… Úgy vagyunk együtt, hogy valójában nem is ismerjük egymást. Úgy éreztem, nem ezt ígérték, hogy át vagyok verve...” – idézi a hozzánk eljuttatott közlemény Hárs Barnát. A zenész szerint az alkotási folyamat egyik funkciója az, hogy kiírva magából a fájdalmat, a művész újra megtanulja látni a szépséget a világban.
A pandémia vége óta a popzene fősodra jelentős változásokon ment át, az erőviszonyok szinte teljesen átalakultak. Ugyanaz az 5-10 előadó tarol a különféle díjátadókon, az elmúlt években pedig főként női sztároktól volt hangos a sajtó. Néha feltűnik egy-egy új, „szélsőséges” arc, countryzenész vagy rapper, akik robbantanak valamit – hisz továbbra is az USA befolyásolja legjobban a mainstreamet –, de stílusilag a rap és popzene mai sztenderdjei pörögnek újra és újra, miközben más stílusokban ritkák a kiugrások. De Sam Fender feszegeti a határokat, szólóelőadóként meglehetősen ritka dolgot képvisel a fősodorban.
Nem szélsőséges karakter, nem művésznéven vált híressé, de nem is a sztenderd popzenét játssza. Helyette visszanyúl a klasszikusabb 20. századi stílusokhoz, amit mai alter pop hangulattal kever, ehhez pedig jön a mostani mainstreamben kevésbé gyakori, férfias, mondhatni macsó kiállás. Voltaképp egy olyan előadói közeget képvisel,
amilyenre a fiatal, toplistás szólóénekesek között egyre kevesebb példa akad.
Új, People Watching című lemezén emberi történeteket dolgoz fel saját és környezetének tapasztalataira alapozva. Dalai a hétköznapi embereket célozzák és a munkásosztálynak szólnak, aminek fiataljaiért nemrég nyíltan is felszólalt. Arról beszélt, hogy fehérnek, férfinek és heterónak lenni még nem feltétlenül jelent előnyt az életben. Az, hogy hová születünk, milyen családba és milyen társadalmi osztályba, szintén fontos, így a teljes munkásosztály megbélyegzése csak még nagyobb éket ver az egyébként is polarizált társadalomba.
Azt írja Nietzsche a Túl jón és rosszon című klasszikus elmélkedésében, hogy az érett férfinak újra meg kell találnia azt a komolyságot, amely gyermekként – játék közben – még megvolt neki. Jó kérdés, hogy a Nietzsche-könyv címét kölcsönző Beyond Good and Evil című The Cult-album megszólítja-e bennünk a gyermek komolyságát? Jó kérdés, hogy lehet-e komoly játék felnőtt fejjel is a rock and roll?
Úgy tűnik, erre a legprecízebb válaszokat a The Cult adja. Először jelent meg a The Cult 2001-es, visszatérő albuma vinylen, áttetsző vörös és üvegzöld színű korongokon. Talán vannak, akik még emlékeznek: a zenekar az 1994-es, a grunge-divat utolsó hullámával érkező, cím nélküli lemezzel beleállt a földbe, és évekre eltűnt a színről.
Aztán 1999-ben abszolváltak egy sikeres reunionturnét az eredeti tagokkal, Astburyvel és Duffyval, a Guns N’ Roses dobosával, Matt Sorummal, valamint Martyn LeNoble basszusgitárossal, és kedvük támadt új dalok írásához is. 2000-ben, tehát negyedszázada felvették a zenekar egyik legjobb, mégis leginkább alulértékelt albumát.
A gond nem a Billy Duffy hétmérföldes riffjeire épülő dalokkal volt, hanem az Atlantickal, akik azt szerették volna, ha a The Cult lesz az új Aerosmith, és megpróbáltak belepiszkálni a dalszövegbe, a tasaktervekbe és a lemez kislemezének kiválasztásába. Ráadásul az eredetileg felkért producer, a Foreignerből ismert Mick Jones kiszállt a projektből, mert turnéra kellett mennie az anyazenekarával.
Astbury úgy érezte, hogy a Beyond Good and Evil potenciális platinalemez lehet, de később már azt mondta, hogy a projektet az Atlantickal való „lélekromboló” munkakapcsolat tette tönkre. Csak a Rise-hoz készült klip, amit egyébként is gyűlölt. Akármilyen jó lett az album, a produkciót körülvevő rossz levegő kihatott a fogadtatására, és bár az Egyesült Államokban a 37. helyen nyitott a listákon, promóció és klipek nélkül az egészet elvitte a cica.
A 9/11-es terrortámadások miatt lemondták a 2001-es európai turnéjukat is, és Ian Astbury kijelentette: a Cultot határozatlan időre „jegelik”. De most eljött az idő, hogy a képzeletbeli Történelmi Igazságtétel Bizottság popkultúra-munkacsoportja újból megjelentesse az albumot, először vinylen, ünnepi kiadásban, friss remaszterrel.
A név kötelez. Az álomfejtéssel és az ezzel rokon prog-metallal főállásban foglalkozó Dream Theaternek napokban jelent meg a Parasomnia című új albuma. A paraszomniának azokat a nemkívánatos jelenségeket nevezzük, amelyek az alvás idején általában az elalvási-felébredési folyamat kisiklásából jönnek létre.
Persze nem kell szigorú orvosi értelemben számonkérni mindent a hetvenperces albumtól, inkább az
egzisztenciális szorongás
az, ami jellemzi az anyagot, mintsem, mondjuk, az éjszakai ágybavizelés gyötrelmeinek leírása. A Parasomnia az év legjobban várt metálalbuma, tizenhat év után ez az első Dream Theater-lemez, amin újra az eredeti dobosuk, a producernek sem utolsó Mike Portnoy játéka hallható, ő az a dobosisten, aki már 37 éves korában bekerült a Modern Drummer Hall Of Fame-be.
A Rolling Stone magazin listáján ő a világ nyolcadik legjobb dobosa, és ez persze csak egy játék, a lényeg az, hogy visszatérésével a Dream Theather megtáltosodott. A Mike Manginit váltó Portnoy azt nyilatkozta a lapnak, hogy a zenekar tagjai lassan a hatvanas éveikben járnak, és feltette magának a kérdést, hogy mennyi ideje lehet még a színpadon. Nem szeretné, ha az ő helyzete hasonló lenne Roger Waters és a Pink Floyd konfliktusához vagy Peter Gabrielnek a Genesisszel fennálló vitáihoz. Hogy aztán maga az album afféle kísérőjelensége lenne az elalvási és felébredési folyamat kisiklásának, azt már nem is olyan könnyű eldönteni.
A nyitódal, az In The Arms Of Morpheus az éjszakai zörejeivel olyan, mintha egy kortárs horrorfilm kísérőzenéje lenne, aztán jön a talajmintavétel az elmúlt ötvenöt év progresszív rock és metál irodalmából a Pink Floydtól a Primuson és az Iron Maidenen át a Metallicáig. Ezek a hatások persze csak afféle intarziák, hiszen a Dream Theater egyedülálló muzikalitása, hangszerelési kvalitása megemeli, mintegy idézőjelbe teszi ezeket a motívumokat.
Persze a prog-metaltól két lépés távolságot tartók szerint a dolog mégis unalmas, mert nincs benne semmi szabálytan, semmi váratlan, csak a tökéletesre polírozott hangszerelés. Ezt csípőből cáfoljuk, mert annyi innovatív megoldást hallunk a lefegyverző hangszeres játékon túl, hogy azt gondoljuk: ebben a lemezben benne van még tíz másik album.
Nagyon izgalmas, amikor egy filmzenével dolgozó szerző olyan lemezt ad ki, amely nem mozgóképhez készült. A jó filmzene alapvető adottsága az, hogy szavak, vizuális segítség nélkül és intenzíven tud történeteket mesélni. Aki egyszer megérti az ebben rejlő erőt és lehetőségeket, ritkán adja alább, ez pedig Nánási Péterre és legújabb, About Life, Death, Love and God című lemezére is igaz.
A zeneszerző számos színpadi műhöz és filmhez készített már zenét, gyakorta dolgozik gyermeki történetek felfrissítésében, dokumentarista alkotásokon. Ezekhez igyekszik a legközvetlenebb és legemberibb nyelvet megtalálni.
Ahogy minden szerzőnek megvan a saját dialektusa, úgy Nánásinak is, aki a 18. századi klasszikus zene elemeit méri a jelenkor lüktetéséhez. Darabjai emlékezetesek, rövidek, lényegre törők, egyszer Mozartot, másszor kortárs szerzőket idéznek. Történetei vékonyan ívelő hidak a századokat elválasztó szakadékok felett.
A tetoválásai tabuk, olyanok, mint a rossz hírek – halljuk a Black & White című Teddy Swims-dalban. Nos ezt nem árt komolyan venni az orkánerejű, soulos hanggal rendelkező Teddy Swimstől, a kivarrt mackótól, aki a füleit is macissá tetováltatta.
A hátán Jézus harcát látjuk az ördöggel, kb. 1/1-es méretarányban, szóval a fickó elkötelezett, olyannyira, hogy a Hit Network Carrie & Tommy című műsorában maga is tetovált egy macit a komikus Tommy Little bokájára. De szerencsére legalább ilyen elkötelezett a retro soul dalok iránt is,
legalábbis erről árulkodik az I've Tried Everything But Therapy (Part 2) című új lemeze is,
amit megelőzött a 2023-ban az I've Tried Everything But Therapy (Part 1), és 2024-ben még egy EP is, ugyanezzel a címmel, de 1.5 sorszámmal.
Ha akarjuk, az eddigi életműve egy trilógia, ha akarjuk, 2 és fél lemez, de Swims urat ez a legkevésbé sem érdekli, lazább ő annál. Például nagyot ment a TikTokon, amikor a brisbane-i (Ausztrália) Queen Street Mallon váratlanul odalépett egy utcai énekesnőhöz, aki éppen a Lose Control című slágerét adta elő, beszállt, és akkorát énekelt az olcsó kis énekcuccba, hogy beleremegtek a kirakatok.
És közben elfelejtette a saját dala szövegét, meg is kérdezte a lányt, hogy nincs-e súgógépe.
Persze el lehet-e felejteni azt a soulballadát, ami 2024 egyik legsikeresebb felvétele volt, és hónapokig szerepelt a Billboard Hot 100 kislemezlistán, a csúcsot is megmászva?
Nem Swims az egyetlen popsztár, akinek az arca is össze van tetoválva, gondoljunk csak Post Malone-ra, de hogy egyedülálló vokális képességei vannak, így az Isten is arra teremtette, hogy szívfacsaró, erőtől duzzadó Motown-kesergőket adjon elő.
Teddy Swims igazi aluról építkező, haverkarizmával rendelkező nagydarab srác, aki először azzal hívta fel magára a figyelmet, hogy a YouTube-on Marvin Gaye-től Amy Winehouse-ig szinte mindenkit feldolgozott, és mézédes hangja átragyogott a sztenderdeken. Világos volt, hogy saját útja lesz saját dalokkal.
És ekkor jött a Lose Control, az I’ve Tried Everything But Therapy (Part 1) mindent vivő slágere, ami éppenséggel be is árnyékolhatta volna az éppen kibontakozó karrierjét, de hogy nem roppant össze a dal súlya alatt, sőt mintha előre pont azt akarta volna bizonyítani, hogy ő valójában slágerek felett álló sokoldalú művész, aki a pazar poptól, az R&B-n és a countryn át a Motown-soulig mindent tud.
Annyi minden lehet a rock and roll múzsája, a csajok, a kocsik, az űrhajók, dolmenek, druidák, királyok, koldusok, miért ne lehetne éppenséggel egy gitárpedál is. A punkot és a glam-rockot kiházasító garázsrocker Hellacopters új lemezét, az Overdrivert valójában a Color Sound márka Overdriver nevű, a hetvenes években népszerű, narancssárga pedáljáról nevezték el, aminek a főnök, Nicke Andersson nagyon szerette a hangját.
De nemcsak ő, hanem David Gilmour, Jeff Beck, Marc Bolan és Joe Perry is hálás volt a pedál tervezőjének, Gary Stewartnak. És e gitárhősök említésével részint be is azonosítottuk a Hellacopters új albumának hangképét.
Az addiktív partislágereiről ismert svéd formáció három éve jelentkezett nagy visszatérő albumával, az Eyes Of Oblivion-nel, ami megmutatta, hogy hogy létezik egy olyan tartózkodási hely, ahol egyformán jól szól a korai Aeromisth, a Ramones, a Stooges és a Rolling Stones felpörgetett junky honky-tonks rockja. Szemérmetlen slágeresség, kirobbanó energia,
azaz a nagybetűs ROCK, ami áll az új albumra is,
sőt az új műsor nem más, mint óda az Overdriver pedálhoz, az elektromossághoz, a szerelemhez, mindazokhoz a dolgokhoz, amelyek bizsergető érzést váltanak ki.
A Hellacopters mindezt gyűjtőnéven rocknak nevezi. És nincs mese, a zenekar ugyanazzal a slágerérzékenységgel dolgozik, mint egykoron a szintén svéd ABBA.
És hogy fokozzuk: a 2008-as Head Off című „búcsúlemez” előtti albumok nyersességéhez képest, most afféle hetyke soft-rock jellemzi őket. Leginkább a Rainbow hetvenes évek végi albumai (Long Live Rock and Roll, Down To Earth), a Whitesnake nyolcvanas évek elejei munkái (Ready An' Willing, Come An' Get It) köszönnek vissza.
A Don't Let Me Bring You Down főleg Rainbow-hatásokat mutat, de a Wrong Face On sokakban megidézheti a 2020-as évek magyar Mobilmániáját is. Persze, a Hellacopters akciórockját nem tudjuk ilyen egyszerűen leírni, meg kell említenünk az MC5-ot, a Thin Lizzyt, a Cheap Tricket és a Sex Pistolst is.
Arról énekel The Weeknd a Reflections Laughing című új dalában, hogy csapdába esett, egy aranyozott kalitkájában él, és nem tud kiadni egy hangot sem. De mindez visszatérő motívum a Hurry Up Tomorrow című új albumán, utalva arra a 2022-es Los Angeles-i SoFi Stadionban félbehagyott koncertjére, amikor is a show kellős közepén megnémult, és le kellett mondania az előadást.
A 22 számot tartalmazó, mozifilm hosszúságú album epicentruma e koncert traumája, amikor is elkeseredetten próbálta a mikrofonba üvölteni, hogy I Can't Fucking Sing! A kanadai énekes albuma egy trilógia búcsúszimfóniája, amelynek az After Hours (2020) és a Dawn FM (2022) című albumok voltak az előzményei.
De miért is ne lehetne a brazil funktól a meditatív diszkón és prog-rockon át száguldó műsort blockbuster filmmé igazítani? A kérdés naiv: májusban mutatják be az albumhoz kapcsolódó, Hurry Up Tomorrow című nagyjátékfilmet, amelynek a főszereplője The Weeknd lesz. Ugyanakkor, ha valaki vásári látványosságot csinál abból, hogy kinyírja az alteregóját, és a családi nevén futtatja tovább a karrierjét, az tényleg lehet drámai erejű.
De nem biztos, hogy úgy, ahogy The Weeknd szeretné.
Miért kéne sajnálnunk azt, aki mindent elért,
amit el lehet a pop univerzumában, akinek számos dala lépte át a milliárdos streamelést, akinek rekordgyorsan értékesítik a koncertjegyeit, és akinek a nagy presztizsű Super Bowl döntős koncert is összejött, és most pedig a Hurry Up Tomorrow album is egyszerre 95 országban érte el az első helyet az Apple Musicon.
Valóban, a hírnév terhet is ró az előadóra, de akkor is: kicsit olyan ez, mintha valaki azért panaszkodna, mert a terepjárójára túl magas a súlyadó, és túl sokba kerül kifűteni a kastélyát. Aki búcsúzik, mert belefáradt a sikerbe, az ne csináljon belőle marketingfogást. Persze, a búcsúzás üzletág már évtizedek óta része a popnak, de az, amit az 1990-ben született The Weeknd művelt, az új szintre emelte ezt a bizniszt, amikor Közel a vég-feliratú óriásplakátokkal szórta tele az Egyesült Államokat.
A vég persze nem a civilizáció pusztulását jelenti, hanem azt, hogy The Weeknd úgy döntött, hogy megöli popsztárszemélyiségét. De még utoljára elhívta egy afféle utolsó vacsorára, azaz egy együtt zenélésre Giorgio Morodert, Lana Del Rey-t, a Justice-t, Travis Scottot, és a Florence and the Machine-t.
„...ez itt a kúszó láva hangja, vulkánkitörés... a világ robban... ő meg csak zuhan mindezen át...” – olvashatjuk Malcolm Lowry Vulkán alatt című regényének zárlatában. Az idén 30 éves Mogwai The Bad Fire című új albuma – amelynek tasakján egy vulkánkitörést láthatunk – pontosan ilyen. Egy zuhanás az éppen felrobbanó világon keresztül.
Maga a cím régi skót kifejezés, magát a poklot jelenti, de a borító tervezőjét, Dave Thomast nem a biblikus tájak, hanem a régi sci-fi-képregények bolygóközi világa ihlette, ugyanakkor mindenki azt képzel bele a jórészt instrumentális posztrock kompozíciókba, amit csak akar. Nemcsak a zene valószerűtlen, hanem a zenekar karrierje is. Legutóbbi, 2021-ben publikált As The Love Continues című albumuk ugyanis az Egyesült Királyság slágerlistájának első helyén landolt.
Ez olyan abszurd, mintha a 180-as Csoport Steve Reich kompozícióit tartalmazó albuma vezetné a Mahasz-listát, megelőzve Ákost és a Halott Pénzt. Ezt a valószerűtlen sikert négy éve azzal magyarázták, hogy a Covid miatti bezártságban sokaknak jelentett vigaszt a glasgow-i Mogwai komplex hangzásvilágra épülő belső mozija.
A gitáron, basszuson, billentyűs hangszereken és hegedűn is játszó Barry Burns számára azonban a pokol csak ezután kezdődött: lánya súlyosan megbetegedett. Az orvosok aplasztikus anémiát, más néven csontvelő-elégtelenséget, diagnosztizáltak nála, ami azt jelentette, hogy a szervezete nem termelt elég vérsejtet. Ez egy ritka betegség, évente mindössze 30-40 gyermeket diagnosztizálnak vele az Egyesült Királyságban, de Burns emlékezett arra, hogy gyerekkorában a szomszédjukban szintén volt valaki, ebben a betegségben szenvedett, és bele is halt.
Évek teltek el, míg a csontvelő-átültetés és a kemoterápia után a lánya meggyógyult, ugyanakkor a pánik, a szorongás végig érződik a lemezen. Közben a basszusgitáros, Dominic Aitchison elvesztette az édesapját. Akik a gyászmunkát, a gyász kiáradását várják, azok meglepődnek majd, mert
az album a betegség és a gyász tematizálása helyett elsősorban erőt mutat.
Stuart Braithwaite, a zenekar gitárosa még 2003-ban nyilatkozta a The Heraldnak, hogy ha valami súlyos dolog történne az életében, az lenne az utolsó dolog, hogy dalt írjon róla. Az albumra sokkal inkább hatott William Blake költészete, Braithwaite az ő verseit olvasta akkor, amikor a zenekar az albumot írta.
Az Index szerkesztősége gyakran kap zenei anyagokat feltörekvő együttesektől, előadóktól. PickUp néven elindított sorozatunkban időről időre beszámolunk három új névről, csapatról, küldjenek akár lemezt, kislemezt vagy single-t.
Fontos: az Indexet az előadók keresik meg, érdekükben nem jár közben sem kiadó, sem menedzsment, legfeljebb kapcsolattartó. A hármas listát a Kultúra rovat – stílusbéli és tartalmi korlátok nélkül – kizárólag saját belátása szerint állítja össze. A mostani PickUp három előadója:
A Young Knives erős jelzést küldött Landfill című új albumával. Nemcsak azért, mert a cím utal az Arctic Monkeys után feltűnt gitárzenekarok boomjára, amit annak idején sokan az indie szemétdombkorszakának neveztek. Ekkor bukkantak fel a leicestershire-i indie rockerek is, akik túlságosan is magukra vették a titulust, hiszen még húsz év után is eszükbe jutott. A lemezt azonban nem a sértettség uralja, hanem egyfajta filozófiai szemléletet, amely többek között az idő múlására is utal.
Mindezt legjobban a Dissolution című dalukkal fejezik ki, amelyet többek között Douglas Adams Galaxis útikalauz stopposoknak című regénye, illetve annak híres idézete ihletett.
Az idő illúzió. Az ebédidő kétszeresen az.
Ha az idő tényleg illúzió, akkor a pop kétszeresen is az, hiszen a legtöbb esetben – a szerencsés egybeeséseket kivéve – nem a legizgalmasabb dalok uralják a listákat, és általában azok a zenekarok lesznek a legnépszerűbbek, amelyek alkalmasak arra, hogy zenészeiket beragyogja a vakító hype. A Young Knivesra mindez nem áll, cserébe viszont
ők az egyik legkreatívabb és az egyik legjobb ízlésű formáció, amely a 2000-es években feltűnt.
Kevés zenekar próbálkozott kimondottan filozofikus gondolatokkal, és persze maga a pop forma sem biztos, hogy elbírná az elmélkedést a létezés természetéről. Ahogy Henry Dartnall énekes és gitáros fogalmaz a sajtóközleményükben: „Ez a lemez arról szól, hogy elengedjük a dolgokat, mielőtt elveszik őket tőlünk.... Mindennek az elfogadásáról szól, amit a világ rád zúdít, és arról, hogy ne vedd a szívedre.”
Az album tehát afféle vigasztalás, de nem empatikus odafordulással, hanem iróniával, megmutatva azt, hogy a legmélyebb gondolatok is lehetnek bizonyos szempontból szórakoztatóak. A már említett Dissolution című dalban arról énekelnek, hogy a fejünkben lévő gondolatok nagy részét a hiány teszi ki... De sokkal tisztábban látod majd, ha száműzöd a múltat és a jövőt. Az idő tényleg illúzió lehet, de legalább jól szórakozik, aki szereti a meghökkentő, váratlan megoldásokat, például a halandóságról elmélkedő No Sound című számban. Van itt gagyi dobgépre ültetett gyerekkórus, space-rock hatású kelet-európai new wave, így aztán kicsit furán visszhangzik a dal felütése: Azzá váltam, amit olyan jelentéktelennek hittem? Ehhez a napfényes világhoz tartozom?
Nyolcvan éve, 1945. február 6-án született Bob Marley, akinek neve egyet jelent Jamaicával és a reggae-zenével. Robert Nesta Marley néven látta meg a napvilágot a karibi sziget egyik eldugott falujában, egy angol apa és egy fekete tinédzserlány gyermekeként. Apja rögtön születése után eltűnt életéből, nem sokkal később meg is halt, Marley csak egy fényképről ismerte.
A zenei karrier reményében tizennégy évesen ment Kingstonba, ahol kezdetben nyomorgott, de aztán szárnyai alá vette a reggae atyjának számító, buzgó rasztafári Joe Higgs. Ő hozta össze a Wailers együttest, amelyben Marley mellett a műfaj másik két legendája, Peter Tosh és Bunny Livingston zenélt. Jóllehet volt néhány helyi sikerük, túl messzire nem jutottak, így 1966-ban a feloszlás mellett döntöttek.
Marley fél évig egy amerikai autógyárban dolgozott, ekkoriban nősült meg. Felesége, Rita haláláig társa, háttérénekesnője maradt, s három gyermekük született, de Marley-nek több házasságon kívüli gyermeke is volt.
Hazatérve újjáalakította a Wailerst, s a reggae gyökereit kutatva tanulmányozta az 1930-as években Jamaicában létrejött rasztafári szektát. A raszták a Biblia sajátos értelmezéséből kiindulva Hailé Szelasszié etióp császárban látták a megváltót, Etiópiában pedig „az Ígéret Földjét”.
A spirituális megvilágosodás után élete, személyisége is megváltozott: nemcsak a jellegzetes, fürtökbe font rasztafrizurát kezdte hordani, visszatért az afrikai gyökerekhez, hitvallását vegyes származására utalva így fogalmazta meg:
Nem állok a fehér ember oldalán és nem állok a fekete ember oldalán, Isten oldalán állok.
A Wailers nem csak szórakoztatni akart, kiállt az elnyomottak, a szegények mellett, a hitről és a szabadságról énekelt, amibe beleértették az általuk megvilágosodást hozó szent fűnek tartott marihuána fogyasztásának szabadságát is.
A Wailers első, Jamaicán kívül is terjesztett lemeze 1973-ban jelent meg, Marley neve a következő évben lett világszerte ismert, amikor Eric Clapton feldolgozta I Shot the Sheriff című szerzeményét. A Wailers 1974-ben a soul nagy csillagának számító Sly and the Family Stone előzenekaraként mutatkozott be az amerikai közönségnek, néhány előadás után azonban kirúgták őket a turnéból, ugyanis sokkal nagyobb sikerük volt, mint a fő attrakciónak. Nem sokkal később Tosh és Livingston a szólókarrier reményében kilépett (mindkettő sikeres lett, de korántsem annyira, mint Marley, Tosht 1987-ben máig tisztázatlan körülmények között lőtték le).
Bob Marley új zenészekkel folytatta, a vokálban helyet kapott felesége, Rita is. 1975-ben jelent meg Natty Dread című albuma, ezen hallható a No Woman, No Cry, egy év múlva a Rastaman Vibration már az amerikai lemezlistán is előkelő helyet ért el. Marley politikai töltetű szövegei égető társadalmi kérdésekkel foglalkoztak, ugyanakkor zenéje lehetőséget adott arra, hogy hallgatói kikapcsolódjanak, rövid időre elfeledkezzenek bajaikról.
Telt házas koncerteket adott és világsztárnak számított, Jamaicában azonban még ennél is többnek: élő legendának, prófétának, a nemzet hangjának. Ő népszerűségét kihasználva törekedett a zűrzavaros hazájában szemben álló politikusok kibékítésére,
1976-ban egy ingyenes koncertje előtt két nappal merényletet követtek el ellene, ám sebesülten is a színpadra állt és a béke hangján beszélt.
Végül sikerült elérnie, hogy az ősi ellenfelek két évvel később nyilvánosan, stílszerűen egy Marley-koncerten békejobbot nyújtsanak egymásnak.
Sorra követték egymást kiváló albumai (Exodus, Kaya, Babylon By Bus, Survival) és a remek dalok. Az énekes a színpadon valóságos extázisban zenélt és lüktető muzsikájával hallgatóságát is magával ragadta. Épp egy amerikai turnéra készült, amikor 1981 tavaszán a New York-i Central Parkban kocogás közben összeesett, és
az orvosi vizsgálat alkalmával kiderült, hogy rákbetegségben szenved, a kór átterjedt az agyára, tüdejére és a májára is.
Alig 36 évesen, 1981. május 11-én halt meg Miamiban, temetését Jamaicában nemzeti gyász követte, díszsírhelyet kapott Kingstonban, ahol múzeuma is van.
Minden túlzás nélkül mondhatjuk, hogy a 2025. március 7-re kitűzött hetedik Lady Gaga-album az énekesnő karrierjének egyik legjobban várt lemeze. Eddig három single jelent meg előzetesen a Mayhem névre keresztelt LP-ről, ezek kiadási sorrendben a Bruno Marssal közös Die with a Smile, a Disease és a frissen érkezett Abracadabra. Mindegyik alkotás az énekesnő más-más zenei korszakát idézi fel, így feltételezhető, hogy egy igazán változatos zenei utazást kapunk majd a Mayhemen.
Elvitathatatlan tény, hogy a Pantera a metálbandák panteonjának egy kiemelt helyét érdemli, már csak zenetörténeti jelentősége, a tagokban és zenéjükben lakozó erő és kreativitás, valamint a zenekart övező kultusz és rajongás mértéke miatt is – nem beszélve a metál jövőjére gyakorolt hatásukról. Viszont az is elvitathatatlan tény, hogy ez a négy zenész (Dimebag Darrell gitáros, Vinnie Paul dobos – a két alapító Abbott fivér –, Phil Anselmo énekes és Rex Brown basszusgitáros) olyan szinten utálták egymást a végére, hogy 2003-ban – egy évtizednyi üstökösként való szárnyalás után – feloszlatták a bandát, és utána nagyjából 15 évig nem is nagyon kommunikáltak egymással. Vagyis pontosítsunk egy kicsit: Phil Anselmót utálták ilyen szinten az Abbott tesók, hiszen állítólag drogfüggősége és az ebből fakadó viselkedési stílusa miatt bomlott fel a banda.
Ez idő alatt Dimebaget lelőtte egy őrült rajongó (2004. december 8-án), de hiába vetődött fel időről időre, hogy esetleg újra össze kellene rántani az aranytojást tojó tyúkot – Anselmo és Brown benne is lett volna –, Vinnie Paul kijelentette, hogy ő bizony hallani sem akar erről az újraegyesülésről, részéről a Pantera és főleg Phil Anselmo halott, és „nincs az az isten, hogy újra egy színpadra álljanak” – nyilatkozta. Eddig elég egyszerű és lineáris a történet, viszont 2018. június 30-án a dobos meghalt (egyes hírek szerint már 22-én, viszont hivatalosan 30-ára datálják a szaklapok), így már csak néhány jogi akadálya volt annak, hogy újra működésbe lépjen a gépezet.
Többen is sejthettek valamit 2019-ben, hiszen Phil Anselmo és bandája, a The Illegals egy komplett Pantera-show-val turnézta körbe a világot, ráadásul a pletykák itt is megelőzték a bejelentést: többen tudni vélték, hogy Anselmo és Brown Zakk Wylde gitárossal és Charlie Benante dobossal pótolja majd az Abbott tesókat a színpadon. Viszont a Covid–19-járvány közbeszólt, így hiába az előkészületek, a pletykák és a háttérben folyó egyeztetések, hiába az elháruló jogi akadályok és a megegyezés a jogutódokkal, a hivatalos bejelentésre egészen 2022. július 13-ig kellett várni.
Akkor kelt újra életre a Pantera.
Legalábbis a rajongók egy része szerint, hiszen sokan úgy vélték – sőt még ma is úgy vélik –, hogy egy olyan bandát újraindítani, amely ellen a még akkor élő alapítótag foggal-körömmel küzdött, majd halála után még ki sem hűlt a teste, a jogutódok máris „aprópénzre váltották” a fivérek örökségét, nem lehet egyenlő az újraélesztéssel. Sokan úgy gondolják, a banda csak „haknizik” és jó pénzt keres azzal, hogy a Pantera név nagyon jól cseng, és szinte bármelyik fesztiválon eladható headliner fellépőként – kivéve a Rock am Ringen és a Rock im Parkon, de erről inkább Anselmo tehet. A banda viszont nemigen törődik a negatív hangokkal, ugyanis 2023 decemberében újra színpadra álltak és az utóbbi két évben – Magyarországot is érintve – körbeturnézták a világot.
A turné és a „halott tagok és legendájuk előtti tisztelgés” – ahogy a megmaradt duó nevezi – olyan jól sikerült, hogy nagyon úgy tűnik, ez a felállás tartósabb lesz egy egyszeri „csodánál”. A banda ugyanis január 21-én, Helsinkiben megkezdte 2025-ös Európa-turnéját, miután lezavartak egy gyors kört Nagy-Britanniában is, az újjáalakulásuk után először. A magyar állomásnak, két évvel a dupla barba negrás megőrülés után – a Papp László Sportaréna adott otthont, ahol a texasi groove metal fenegyerekeknek a szintén texasi, crossover thrashben utazó Power Trip és a michigani punk/metal Child Bite melegítette be a színpadot és a közönséget.
A Nem az a punk, aki… című punktörténet két kötetéhez elkészült a hanglemezes kiterjesztés is, ami persze saját lábán is megáll. Léteznek olyan könyvek, amelyekhez CD-ket mellékeltek kísérőajándékként (például a Pokoli aranykor című plakátokat bemutató képes albumhoz), de vinyllemezt nem szokás, mert a hagyományos LP-ket a méretük miatt nem lehet összecsomagolni a könyvekkel. A Trottel most megcsinálta, csak éppen külön-külön kell összevásárolni a hozzávalókat.
Persze előfordult, hogy hagyományos lemezeket adtak olvasnivalókhoz, gondoljunk csak a Kolobok című szovjet gyerekújságra, amelyben voltak papírvékony, kék színű hanglemezek, amelyeket csak a Gum Áruházban vásárolt lemezjátszón volt érdemes meghallgatni, minden más készüléket hazavágott. De vajon vannak-e olyan magyar könyvek, amelyekhez így vagy úgy, de dukált vinyllemez?
Persze, például a Czobor–Horlai-féle angol nyelvkönyvekhez nagylemez, míg Sas József, Józsi, hol vagy? című könyvéhez kislemez dukált. (Az Ottawan Hands Up! című diszkóslágerének Sas-féle feldolgozása a maga nemében izgalmasabb volt a punkok gagyi átiratainál.) De a Nem az a punk, aki… Vol. 1 – Magyar punk 90’s című vinylalbum a könyv arculati elemeit felhasználó önálló kiadvány. A borítón egy 1956-os lyukas zászlót látunk, de ezúttal nem maradt üres a lobogó közepe, a koronás címert látjuk benne az Isten, haza, család szlogennel. Bizonyára utal Arturo Vega az amerikai elnöki pecsétet karikírozó Ramones logóra. Vega azt mondta, hogy mivel Johnny Ramone baseballfanatikus volt, a sasnak a nyilak helyett baseballütőt adott a karmai közé.
Ilyen geg nincs a Nem az a punk, aki… coverén, viszont a lemezen található programon igen. Az album hátoldalán található definíció szerint – Hungarian 90’s punk, hardcore compilation – a lemez tartalmaz hardcore-t is, de a nyolc előadó közül csak a Leukémia a HC-zenekar. Ők a Trottel kiadásában 1993-ban megjelent lemezükről, a Közel a fejhajlító géphez című albumról adtak két dalt (Haláltánc, Kamion, ha közeleg), ezek a válogatás zeneileg legkomplexebb, legizgalmasabb felvételei, a legprofibbak viszont az Auróra (Viszlát, Iván) és a Prosectura (Ha már nem leszek, Nyomok a homokban) dalai, nem véletlen, hogy e három zenekar futott be komolyabb karriert a nyolc előadó közül. Ugyanakkor felmerülhet az a kérdés is, hogy miért nem sikerült jobban megmutatnia magát a többi előadónak is?
Ha igazak azok az állítások, amelyek szerint az Elvis Costello és T Bone Burnett alakította The Coward Brothers nem más, mint egy transzatlanti szélhámos páros – a halálukat is megrendezték –, akik talán vérrokonok, talán nem, akkor a rock and roll tényleg a legnagyobb svindli. Legalább is erről győzködi a hallgatót az Audible podcastcsatornáján elérhető, háromrészes The True Story of The Coward Brothers című zenés hangjáték.
Ha minden igaz – vagy ha semmi –, akkor Henry és Howard Coward féltestvérek karrierjét Smiley Doc Snipson, egy cirkuszi erőember és szerencsejáték-függő indította el. Henryt 1956-ban fedezte fel egy texasi szórakozóhelyen, akivel szerződést kötött. Henry egy turné során találkozott elveszettnek hitt féltestvérével, Howard Cowarddal, akivel aztán rock & roll kislemezeket készítettek a Justice Recordsnak.
Ezek a bizonyos dalok a maguk módján sikert arattak, de egy idő után mégis hanyatlásnak indult a Coward Brothers karrierje. Snipson, a menedzser kitalálta, hogy
megrendezi a duó eltűnését, elhiteti a közönséggel, hogy repülőgép-szerencsétlenségben haltak meg a tengeren.
A tesók ezután egy karibi szigeten bujkáltak, dalokat írtak, és kazettákat küldtek a kiadóknak, de a gonosz menedzser valójában csak kicsalta tőlük a jogdíjakat. Ha a zene is olyan jó, mint az alapsztori, akkor ne is csodálkozzunk azon, hogy a szórakoztatóipar annak idején csúnyán kihasználta a rock and roll két hajótöröttjét. A posztmodern pikareszk sztorival szemben, egy másik valóság szerint Elvis Costello és T Bone mint The Coward Brothers először 1985-ben dolgoztak együtt a The People's Limousine című kislemezen.
A két ikon 1984-ben találkozott először. Burnett előjátszó volt Costello szólóturnéján az Egyesült Államokban. Gyorsan összebarátkoztak, és együtt adták elő a ráadásszámokat, és már akkor The Coward Brothersnek nevezték magukat, és dolgozni kezdtek a fiktív háttértörténetükön. T Bone Burnett lett Costello 1986-os, King Of America című albumának társproducere, amelynek – minő véletlen – szintén most jelent meg a deluxe újrakiadása is.
A Kings Of Amerika Paul Simon Gracelandje mellett az 1986-os év legizgalmasabb albuma volt, hát persze, Costello a prémiumpop és az art-rock megkerülhetetlen idolja, és T Bone Burnett sem akárki. A hetvenes években Bob Dylan zenekarának gitárosa volt, Grammy-díjas filmzeneszerző.
Ki lehet halni a rockzenéből? Vagy kihalhat a rock a zenészből? Ha ostoba közhelyekkel dobálóznék, jöhetne, hogy: a rockzene örök és elpusztíthatatlan. Mégis, ahogy fejlődik a világ, a zene is alakul, bizonyos részei megmaradnak, más részei frissülnek. Ilyenkor válnak izgalmassá azok az arcok, akik szándékosan, céltudatosan levetnek magukról minden modern hatást, és visszatérnek a múlt század zenéihez. Pláne ha ez a törekvés valós, megfogható célokkal párosul, függetlenül attól, hogy a csapat tagjai már a negyvenen is túl vannak.
Azt gondolnánk, hogy nem könnyű belevágni a zenekarozásba, egy új projektbe, amikor valakinek már családja és munkája van. Pláne akkor, ha stílusában olyan zenéről beszélünk, ahol a közönség szinte követeli a rendszeres bulikat, azt az átütő energiát, amit a huszonévesek és a professzionális zenészek hoznak. De ezért szép az egész, hiszen a zene nem válogat, és ha kell, negyvenéves családapákból is képes huszonéves, őrült muzsikusokat csinálni – persze képletesen.
Ez történt a Doomsday Trip esetében is. A négyfős formációnak most jelent meg klipje Demons című dalukhoz, ami rögvest az amerikai Hardcore Worldwide csatornáján landolt. A bandának egy-egy felvétele már korábban is megjelent, de a videóklipes dal csak nemrég debütált a tengerentúlon, az első számadatok alapján pedig úgy fest: az alkotás tetszik a zsáner szerelmeseinek.
Hozom a szerepet…, csak annyit kell tennem, hogy természetesen játszom – énekli Ringo Starr a Beatles Help! című albumán, az Act Naturally című Buck Owens-féle countrydalban. Ringo mindig is vonzódott a countryhoz, már 18 évesen Texasba akart utazni a country és a blues iránti vonzalma miatt. A haditengerészetnél szolgáló srácok ugyanis nemcsak a rock and rollt hozták át Liverpoolba, hanem a countryt is. És amikor 1970-ben Starr kiadta a Nashville-ben rögzített Beaucoups of Blues című második albumát, azt már a Bob Dylannel is dolgozó countryproducer, Pete Drake felügyelte.
Amikor feloszlott a Beatles, Ringo a countryval vigasztalódott, és most, 84 éves korában, a Look Up című albumán is countryhoz nyúlt, hogy vigaszt találjon ifjúsága eszményeiben.
Visszatért a country földjére, ahogy hozta a szerepet, és természetes módon játszott az 1971-es Blindman című Ferdinando Baldi-féle spagettiwesternben is, amelyben ártalmatlanít egy mérges kígyót, megkínozza a vak embert, és leszúr egy öreg farmert, mert az disznónak nevezte őt.
Ha a filmes díszletek között ügyesen helyt állt, akkor miért ne menne neki 84 évesen, több mint fél évszázaddal az első countryalbuma után egy újabb?
Főleg ha olyan segítői vannak, mint a legendás producer, T Bone Burnett, Bob Dylan egykori gitárosa, akivel még 2022-ben futott össze. Megkérdezte tőle, hogy van-e olyan dala, amit felvehetne vele. Burnett nem várt sokáig, elküldött Starrnak egy vázlatot azzal az üzenettel, hogy „Kedves Ringo, itt az első dal, amit neked találtam ki. Ha tetszik, van itt Nashville-ben néhány srác, akikkel befejezhetnénk.”
Az exbeatle-nek annyira tetszett a Come Back című, később a Look Up című albumra is felkerült szám, hogy visszakérdezett: van-e még több is? Erre kapott még kilenc másikat. Burnett számára az Egy nehéz nap éjszakájának egyik jelenete volt a kiindulópont, amikor Starr otthagyja a többieket, és lemegy a Portobello Roadra fényképezni. Azt pedig már mi kérdezzük:
mi valójában Ringo optikája?
Mi az, amiben eltér három társa világától? Ha tovább nézzük a filmet, látunk egy autógumival szórakozó fiút, akitől Ringo megkérdezi, hogy miért nincs iskolában. A srác azt feleli: Dezertáltam, dobtam a sulit. Nos Ringo sem csinált mást a Beatles feloszlása után, mint a maga módján dezertált, ahogy a filmbéli 11 éves fiú.
Végre eljött a pillanat, amelyre Lady Gaga rajongói majdnem öt évet vártak: kiderült, mikor érkezik az énekesnő hetedik, eddig csak LG7 néven emlegetett albuma. Alig több mint egy hónap, és érkezik a MAYHEM.
Egyetlen Gaga-albumra sem kellett olyan sokáig várni, mint az időközben színésznővé is avanzsáló popdíva hetedik lemezére,
amely 2025. március 7-én jelenik meg.
Lady Gaga (eddig) utolsó önálló nagylemeze, a Chromatica 2020 májusában debütált, így majdnem öt évet kellett várni az új, MAYHEM névre keresztelt anyagra, amely 14 számot fog tartalmazni.
A Franz Ferdinand The Human Fear című albumának borítóját Maurer Dóra Hét elforgatás című alkotása inspirálta, illetve ezt a képet alkotta újra Alex Kapranos zenekara. Ha akarjuk, a Hét elforgatás utalhat a zenekar hét albumára is, feltéve, ha a 2022-es Hits to the Head című, két új dallal kiegészített válogatást is beillesztjük a diszkográfiába.
Nagy kérdés, hogy történtek-e valós elforgatások, azaz elmozdulások a zenekar életművében, vagy ugyanott tartanak, ahol a dance-punkos, art rockos, poszt-new wave-es hatásokat mutató első két albumuk idején. Azaz: fejlődőképes-e a Franz Ferdinand? Kell-e, hogy elmozduljanak egyáltalán az első két albumuk hangképétől, attitűdjétől? A kérdés megválaszolása nem is olyan könnyű.
Ha az AC/DC, a Ramones vagy éppen a Motörhead ugyanabba a pózba merevedve játszotta évtizedeken át majdnem ugyanazt, akkor miért ne lehetne ezt másoknak is megtenniük? Azért, mert csak nagyon kevés zenekarnak áll jól a karikatúraszerű állandóság, mert az adott zenei univerzumnak kell hogy legyen annyi mozgástere, szabadsága, hogy némileg igazítson a hangképén.
A Franz Ferdinand is érezte ezt a nyomást, és már a harmadik, Tonight című albumán is megpróbálta némi ízfokozóval elkészíteni a menüt. Ezúttal is van benne némi ételszínezék (kicsit több elektronika, kicsit több funk vagy diszkó), de valójában tényleges elmozdulást nem érzékeltünk a The Human Fear albumon sem.
Ha megnézzük, hogy mi a Franz Ferdinand eredője, akkor gyorsan rátalálunk a korai Talking Headsre, és bizony azt kell mondanunk, hogy David Byrne zenekara hamar elmozdult a new wave-től, és emelt be egyre több funkyt, etnorockot, és felsorolni sem lehet, hogy milyen sok szerepjátékra hívott meg minket.
És ott van a másik nagy hatás, a Duran Duran new wave-es, elegáns diszkója, és náluk is kimutathatunk legalább hét elforgatást, míg a Franz Ferdinand esetében – akik most az albumborítójukon idézik ezt a motívumot – egyet sem. Hiába használnak több szintetizátort, hiába hangszerelnek funkosabbra néhány témát, a dal ugyanaz maradt. Bár tegyük hozzá, hogy a Black Eyelashes görög folkot idéző, Ouzoban tocsogó zenés gegje mindenkit meglepett, ahogy a zavarba ejtő EDM-hatásokat mutató Hooked is.
Robert Nesta Marley, avagy ismertebb nevén Bob Marley, 1945. február 6-án született egy aprócska jamaicai faluban. Mivel édesapja fehér, édesanyja fekete bőrű volt, már gyermekként sokat szenvedett a faji megkülönböztetés miatt. 14 évesen Kingstonba költözött, itt ismerkedett meg későbbi zenésztársával, Neville Bunny Livingstonnal és Peter Toshsal. Ekkoriban Jamaicában rendszeresek voltak az utcai összecsapások, tüntetések a gyarmati uralom, a magas munkanélküliség és az embertelen körülmények miatt. A zene ekkoriban vigaszt jelentett, az emberek a mindennapok nyomorúságát kiénekelték, kitáncolták magukból.
Trenchtownban minden a zene körül forgott, és én úgy szívtam magamba a zenét, mint növény a táplálékot
– mondta Bob Marley.
Nagy hatással volt rá Joe Higgs, a modern jamaicai zene egyik alapítója, aki nemcsak gitározni tanította, de a rasztafarianizmus tanaival is megismertette, és az ő segítségével alapította meg zenekarát, a Wailerst.
Jamaicában először a Simmer Down című dala lett sláger, világszerte pedig Catch a Fire című albumuk jelent meg először, ezt követte a Burnin’, amelyen az I Shot The Sheriff című dal is helyet kapott. Ezt a számot dolgozta fel Eric Clapton, ami Bob Marley nemzetközi karrierjét is beindította. A Bob Marley and The Wailers előadásában az amerikai és nemzetközi listák előkelő helyein végeztek az olyan, mára kultikusnak számító dalok, mint a No Woman, No Cry, a Rastaman Vibration, a Redemption Song, a One Love, a Get Up, Stand Up vagy éppen az Is This Love.
Bob Marley ikon lett, aki a szeretetről és az egységről énekelt, világszerte ismertté tette a reggae-zenét és Jamaicát. Hazájában pedig szinte prófétaként tisztelték, egy békekoncerten még a szemben álló politikusokat is képes volt kézfogásra ösztönözni. Fellépésein mindig kiállt a szabadság és a függetlenség mellett. 1978-ban megkapta az ENSZ Békemedálját, 1980-ban fellépet a zimbabwei függetlenségi ünnepségen, 1981-ben pedig Jamaicai Érdemrenddel tűntették ki. Tragikusan fiatalon, 36 évesen halt meg rákban. Szellemisége, zenei és társadalmi munkássága a mai napig hatással van a legkülönbözőbb generációba tartozó zenészekre.
Alig két héttel azután, hogy bejelentette, a 2025-ös koncertszezon után minimum egy évre visszavonul, Krúbi most egy európai turnéval állt elő. Az előadó Instagramon és Facebookon is beharangozta, hogy február végén kezdetét veszi a Gyenge a forint, kéne rendes pénz című turné.
A hatállomásos koncertsorozat 2025. február 25-én indul Pozsonyban − a Majestic Music Club nevű helyszínen, ahol 2024 novemberében a szintén „szünetelő” Azahriah adta utolsó koncertjét. A buli azután Londonban folytatódik március 1-jén, majd Bécsben március 8-án, aztán Berlinben március 15-én. Krúbi április 12-én és 13-án Zürichben és Münchenben lép fel, így zárul a turné.
ByeAlex, polgári nevén Márta Alex jó hosszú utat járt be a Kedvesem című száma óta. Remek döntésnek bizonyult, hogy ByeAlex és a Slepp néven zenekart alapított, erről a Fonogram-díjas frontember maga is megnyilatkozott január 9-én, egy meglehetősen különleges estén.
A ByeAlex és a Slepp ugyanis hosszú kihagyás után megint arra vállalkozott, hogy szimfonikus körítéssel adja elő slágereit. Az érdeklődés akkora volt, hogy kétszer is megtöltötték az egyébként nem kevés ember befogadására képes, impozáns Erkel Színházat, és meglepetésvendégekkel, valamint érdekes anekdotákkal, nagyzenekarral és női kórussal kiegészülve igyekeztek rajongóiknak a tőlük telhető legnagyobb élményt adni.
Vannak, aki utálnak engem, de remélem, azok közül most nincsenek itt túl sokan
– jegyezte meg ByeAlex az est során egy ízben, sokadszorra bizonyítva, hogy a magyar könnyűzenei életnek azért is üde színfoltja, mert egészen komoly önreflexióra képes művészemberről van szó. ByeAlex az, aki folyamatosan tartja a kapcsolatot a közönségével, kommentekben beszélget Facebook-követőivel, sőt... még fel is emlegeti őket. Valahogy így történhetett meg, hogy a szimfonikus koncerten szóba került az a nő vagy férfi, igazából a neme mindegy is, aki felrótta az énekesnek, hogy minden száma szomorú, és ezért hallgathatatlan.
Valóban, a melankolikus vonalon mozog a ByeAlex és a Slepp, erre pedig az este folyamán is ráerősítettek, köszönhetően annak, hogy az ájkosz című slágerükkel kezdtek, de ebbe a majdnem kétórás koncertbe belefértek még olyan dalok – a teljesség igénye nélkül – is, mint az 1 év, a rossz esték, az elmaradhatatlan bocsánat. Na, és hogy egy kicsit fityiszt mutassanak a fanyalgóknak, a talán egyetlen boldog zenéjüket, a csokko-t is lenyomták a közönségnek.
Kellemes színfolt volt, hogy behoztak ráadásnak még egy kórust, és ezen a különleges dupla koncerten debütált elsőként a hallgatók előtt az alig három hete közzétett baj című szám, vastag ceruzával aláhúzva, hogy aki itt van, olyasvalamit kap a pénzéért cserébe, amit a fanok többsége eddig nem élhetett át élőben.
Snoop Dogg-gal mindent el lehet adni, természetfilmes sorozatot, főzőműsort Martha Stewarttal, de magát a párizsi olimpiát is: vitte a lángját, és az NBC-nek kommentálta a díjlovaglást. Mondjuk minden idők leglazább olimpiai nagykövetének annyi köze volt a sporthoz, hogy szereti a melegítőket, és akkora medálok lógnak a nyakában, mint az olimpiai aranyak.
És persze, Snoop Dogg-gal el lehet adni egy lemezt is. Harminc évvel a gengszterrap egyik legfontosabb albuma, a Dr. Drével közösen készített Doggystyle után pozíciót váltott, ötven pluszosan már közelebb áll hozza a misszionárius, mint a kutyapóz, az új album, a Missionary pedig némi érzelmet is sugároz. És hogy egyértelműbb legyen, hogy a dolog nem hittérítésről szól, a cover egy felnagyított, becsomagolt óvszert ábrázol.
Bizonyára van, akit meglepett, hogy a televíziós személyiséggé vált Snoop egyáltalán megjelentet lemezeket is, és erre most itt van a Dr. Drével elkészített új albuma, amely Kendrick Lamar munkája mellett a karácsonyi hiphoppiac legnagyobb durranása volt. Snoop legutóbbi két albuma, a 2021-es From tha Streets 2 tha Suites nem került fel a listákra, és a 2022-es BODR is csak a 104. helyet érte el a Billboard 200-as listáján, tehát sokan már temették a zenés karrierjét, amikor kiderült, a tévés és filmes szerepek mellett portfóliójának legfontosabb része mégis a pop. Felkérte a hiphop egyik legnagyobb totemét, Dr. Drét, hogy rakjon össze neki egy albumnyi zenés alapot, ami azért nagy szó, mert az 1993-as Doggystyle óta ez az első teljes lemezre szóló együttműködésük.
A Doggystyle a gangsta rap Szent Grálja, rögtön az első helyen nyitott a Billboard 200-on és az R&B-listán, olyan slágerekkel, mint a Gin and Juice és a What′s My Name. Már az első héten egymillió kelt el belőle, azóta négyszeres platinalemez lett. Snoop a címválasztásban és a producer személyét illetően is egyértelműen utal fő művére, és világosak az ambíciói: elkészíteni a XXI. század legjobb nyugati parti G-funk hiphopalbumát.
Snoopban az a jó, hogy egyszerre karikatúrája és élő legendája a hiphopnak, hogy te döntöd el, mennyire veszed komolyan azt, ahogy gengszterkedik, vagy ahogy a nőkről beszél. Az album Snoop talán leginkább zenei albuma, Dr Dre nagyon odatette magát, maga Quincy Jones is megsüvegelné a munkát.
Néha a rossz időzítés a legjobb időzítés. Megmagyarázzuk! James Blunt You're Beautiful című dalában kétszer énekli el az első sort (My life is brilliant). A rossz időzítés, azaz rossz belépés az albumfelvételen maradt, de a rádiós verzióból már kiszerkesztették. Ahogy a katedrális építők is hagytak hibát az építményeikben, heroikus módon Blunt is benn hagyta annak nyomát, hogy rosszul lépett be a dalba.
Persze, némileg következetlen, hiszen ahhoz, hogy rádióban játsszák a szerzeményét, megváltoztatta a She could see from my face that I was fucking high sort, úgy, hogy a fucking helyett a flying szerepelt. De a lényeg, hogy ismét kapható James Blunt húsz éve, 2004. október 11-én megjelent Back to Bedlam című debütáló stúdióalbuma, remaszterizált változatban, újrahasznosított, piros színű vinylen.
Az album a címét a londoni Bethlem Királyi Kórház pszichiátriai intézményéről, a köznyelvben Bedlam néven ismert épületről kapta. A megjelenés első hónapjaiban nem szerepelt különösebben jól a listákon, de 2005 közepén, miután harmadik kislemeze, a You're Beautiful világsláger lett, a Back to Bedlam az év legnagyobb példányszámban eladott albuma lett az Egyesült Királyságban, több mint 2,4 millió eladott példánnyal.
A lemez hamarosan tízszeres platina minősítést kapott, és ez lett a több mint 3 millió eladott példányával a 2000-es évek legkelendőbb albuma az Egyesült Királyságban. A lapok annak idején arról írtak, hogy a You're Beautiful Blunt egykori barátnőjéről, Dixie Chassay-ról, a Harry Potter-filmek castingasszisztenséről szól, bár Blunt ezt nem erősítette meg, de nem is cáfolta.
Azt viszont 2006 márciusában a The Oprah Winfrey Show-ban elárulta, hogy a dal az exbarátnőjéről szól, akit meglátott a londoni metrón az új pasijával. Blunt eszményi popsztár, jól elmesélhető háttértörténettel. A királyi légierő ezredesének fia, aki 1999-ben részt vett koszovói bevetéseken is, 2002-ben pedig őrséget állt az anyakirálynő temetésén. A nagy sikernek persze ára van, például az, hogy gyűlölnek azok a kollégák, akiknél lényegesen több lemezt adsz el.
Noel Galagher azért adta el a házát Ibizán, mert James Blunt a szomszédja lett, Paul Weller, a The Jam és Style Council egykori frontembere pedig azt mondta, hogy inkább „megeszi a saját sz*rát, mint hogy vele dolgozzon”, Demon Albarn, a Blur frontembere, a Gorillaz agya és szíve pedig egyszerűen nem volt hajlandó egy fotón szerepelni vele.
„Emlékszem minden arcra, minden helyre, túl jól ismerlek téged... Mindig ugyanazt érzem” – énekli a Clan of Xymox az I Always Feel The Same című mámorítóan komor dalában, és hát igen, az Exodus című albumuk is pont erről szól: ugyanazt érezni, amit a darkos szintipophullám idején, 1985-ben, amikor a pop leghíresebb rádiósa, John Peel elhívta a holland bandát a BBC-n futó Peel Sessions című műsorába, és a sötét, melankolikus hangzásukat elnevezte dark wave-nek.
Azóta hívják az ehhez hasonló hangzást így. Persze korábban is létezett a műfaj, számos elnevezés volt forgalomban – például goth-rock , ami némileg mást jelentett. A dark wave elnevezés talán közelebb állt a posztpunkos örökséghez, a goth-rock a miszticizmushoz – persze jobb ebbe nem belebonyolódni.
A Clan of Xymox pályafutása tehát biztatóan indult, az önmagukról elnevezett albumuk megjelenésekor Peel azonnal kanonizálta a csapatot, az első kiadójuk a Cocteu Twinst, a Bauhaust, a Pixiest és a Dead Can Dance-t leszerződtető 4AD volt, aztán utóbbi zenekarral turnéra is mentek. És az még mindig a támogató figyelem jele volt, hogy az Egyesült Államokban is népszerű Twist Of Shadows albumukról két dalnak, a Tonightnak és a Clementinanak Tony Visconti készítette a vonós hangszerelését. Visconti számos Bowie-lemezen (pl. Young Americans, Low, Heroes, Lodger, Scary Monsters) dolgozott, és olyan zenekarok hangképét formálta, mint a T.Rex, a Thin Lizzy vagy a Boomtown Rats. És innen valahogy a Xymox utat tévesztett.
Egyre inkább lettek egy megmosolyogtató elektro dark formáció, olyan dresszekben, amiknek csak az S/M klubokban, a steampunkfelvonulásokon vagy német EBM-fesztiválokon van létjogosultságuk.
A zenekar elvesztette azt a bizonyos dekadens eleganciát, ami a nyolcvanas évek közepén jellemezte őket.
Meglepő módon sosem sikerült az első vonalba kerülniük, ahogy mondjuk az X-Mal Deutschlandnek sem, az első három lemezük – különösen a második, a Medusa – sokak titkos kedvence, mert úgy sikerült egy szintipopos, dark rockos hangzást keverni az eurodiszkós ritmusokkal, hogy megszületett a pop egyik bűnös élvezete, amit nem baj, ha nem csak a négy fal között csinálnak.
A dalt Császár Előd írta és hangszerelte, a Korda házaspár pedig még a nyári, Budapest parkos fellépést követően döntött úgy, hogy klipet is forgatnak a slágergyanús nótához.
Ezzel a dallal és egy többemeletes tortával lepték meg a stáb tagjai Balázs Klárit augusztusban, 72. születésnapja alkalmából. A közönség reakcióját látva döntött a klip mellett a házaspár és a menedzsment.
A kisfilmben feltűnnek a Korda házaspár barátai, közeli munkatársai is. Többek között a Rippel fivérek, DJ Dominique lemezlovas és rádiós műsorvezető, Gönczi Gábor műsorvezető, Rókusfalvy Lili és Fodor Imre, a Csináljuk a fesztivált! házigazdái. De láthatjuk majd Horvát János televíziós legendát, Harsányi Levente műsorvezetőt, a Groovehouse együttes tagjait, Gál Kristóf rendőr ezredest, a rendőrség szóvivőjét, Vincze Márk rendőr őrmestert, DJ Junior zenei producert és DJ-t, Peter Srámek énekest, Sisit, a rappert és dalszerzőt és Könyvi kutyát is.
A forgatás helyszíne a Nyugati pályaudvar közvetlen szomszédságában található, az 1880-as években épített impozáns Királyi váróterem volt, ahol az Orient expressz VIP-utasait is vendégül látják. A klip rendezését Galler András „Indián” vállalta magára, aki már harmadszor dolgozik együtt a Korda házaspárral – például az ikonikus Reptér is az ő nevéhez fűződik.
Az új Korda–Balázs-sláger klipjének története izgalmas, hiszen Korda Györgynek és Balázs Klárinak meglepetésbulit szerveznek, ráadásul egzotikus állatok is szerepelnek benne a Fővárosi Állat- és Növénykert jóvoltából.
Az Index szerkesztősége gyakran kap zenei anyagokat feltörekvő együttesektől, előadóktól. PickUp néven elindított sorozatunkban időről időre beszámolunk három új névről, csapatról, küldjenek akár lemezt, kislemezt vagy single-t.
Fontos: az Indexet az előadók keresik meg, érdekükben nem jár közben sem kiadó, sem menedzsment, legfeljebb kapcsolattartó. A hármas listát a Kultúra rovat – stílusbéli és tartalmi korlátok nélkül – kizárólag saját belátása szerint állítja össze. A mostani PickUp három előadója:
Az Index munkatársai 2024-ben is végigkövették a könnyűzene alakulását, nagyobb eseményeit. Igyekeztünk a lehető legtöbb hazai és külföldi előadó új lemezeit és jubileumi újrakiadásait meghallgatni, ami csak időnkből telt. Idén is több száz lemezről, kiadványról született kritikánk és beszámolónk, az év végéhez közeledve pedig ezek közül választjuk ki kedvenceinket.
Persze nem egyszerű megfejteni, hogy melyek azok az albumok, amelyek 20-30 év múlva is olyan jelentősek lesznek, vagy olyan korszakalkotónak számítanak, mint most, a megjelenésük pillanatában, de nem is az a célunk. Listánkban minden újságírónk, szakértőnk saját kedvencét veszi elő, hogy olvasóink elé tárják, miért is olyan izgalmas, ami azokon a korongokon hallható.